Encuentros con Ken Niimura

¡¡Ken Niimura, nuestro dibujante de cómic y manga más internacional, 

nos visita el domingo 27 de julio!!

Es un auténtico privilegio compartir unas horas con Ken. Conozco a Ken desde los diez años y fue mi alumno hasta que entró en Bellas Artes. Ya desde pequeñito su tranquilidad, concentración y perseverancia se reflejaban en aquello que le gusta: estar entre papeles y lápices. Aprovechaba muchísimo el tiempo. La humildad y la sensatez aparecían en su visión empática de las relaciones humanas. Niño, adolescente y adulto generoso y de gran riqueza interior, cultiva y mantiene viva la amistad allá donde vaya y cada vez que tiene oportunidad vuelve a su ciudad natal para visitar a los más allegados. Para mí es una satisfacción comprobar que es feliz con lo que hace, que es aquello que siempre ha adorado: dibujar y crear.

Ken Niimura será unos de los principales invitados del XX Salón del Manga de Barcelona. El certamen producirá una exposición antológica, que incluirá sus obras más destacadas, como Henshin y Soy una matagigantes, así como ilustraciones de algunos de sus trabajos más recientes. Además, será el autor del cartel del Salón para celebrar  la vigésima edición del certamen.

Henshin

Licenciado en Bellas Artes, fue miembro fundador de H Studio, Arruequen y el sello editorial Epicentro.

Ha publicado, entre otras obras, Underground love, Clockworld, Vacío Absoluto, Otras jaulas, En el camino de la madeja,Historietas, y destaca su trabajo gráfico en los libros de la serie Japonés en Viñetas, manuales didácticos de lengua japonesa, junto con el especialista Marc Bernabé.

Como docente ha impartido cursos sobre cómic y manga en la Universidad de Salamanca, Casa Asia en Madrid, la Maison de la culture du Japon à Paris o la academia Eurasiam, entre otros centros.

En 2008 publicó la serie limitada I Kill Giants, escrita por el guionista Joe Kelly, con la que debutó en el mercado americano. Esta obra fue nominada en los Premios Eisner y acabaría ganando el Primer Premio en el 5º Premio Internacional de Manga de Japón.

Publica dos historias cortas para la serie “The amazing Spiderman” (junto a Joe Kelly) y participa en las revistas Black (Italia), Mandala (Japón), Popgun (USA), Dos Veces Breve(España), C’est Bon Anthology (Suecia) y Fluide Glamour (Francia).

Otros autores con los que ha colaborado incluyen a Víctor Santos, Luciano Saracino, Javier de Isusi, David Lafuente, Arnaud Bureau, Kris, Paul Allor y Choi Juhyun.

En 2013 comienza a publicar la serie Henshin para la revista Ikki de Shogakukan.

Álbumes de historieta

Henshin. Ikki Comix, 2013.

I Kill Giants (con Joe Kelly). Image Comics, 2009.

Qu4ttrocento. Dolmen Editorial, 2006.

Historietas. Recerca Editorial, 2005.

Otras jaulas. Astiberri Ediciones, 2003.

Clockworld. Amaníaco Ediciones, 2002.

Underground love. Amaníaco Ediciones, 2001.

Otros proyectos

Vegas Blues. Mad Lead, 2012.

Spicy Tuna. Mad Lead, 2011.

514H. Webcomic, 2011.

Zero. Norma Editorial, 2010.

El París de los Gañanes. Soitu.es, 2009.

Lingua Comica (con Choi Juhyun). ASEF, 2008.

¿Te gustaría participar en un taller con Ken Niimura? ¿Te apetece pasar un rato divertido dibujando juntos? ¡Aprovecha la oportunidad!

Fecha del encuentro: 27/07/2014

Lugar: Las Rozas de Madrid

Duración: 2h30m

Si estás interesado/a, envía un email a info@manuelamasago.es para solicitar más información.

Cuaderno de viaje

Poco a poco iremos descubriendo todos los materiales a nuestro alcance para desarrollar nuestro trabajo. Con sencillos materiales, podemos hacer grandes obras de arte. A veces en lo más básico está la magia, solo tenemos que mirar y ver.

Un lápiz, un bolígrafo, la plumilla, grafito en barra, rotuladores, portaminas, barras de conté, ceras, pasteles, carboncillo... Todos tienen sus cualidades, su magia, unas características muy particulares que pueden ser mezcladas entre sí.

Lo mismo sucede con el soporte. Podemos aprovechar trozos de maderas con sus fantásticas betas, DM, cartón y por supuesto el abanico de papeles maravillosos que hay en el mercado. Cartulinas de colores, papel con su amplia gama de blancos, papel reciclado… Grano fino grueso, satinado…

Llevar un cuaderno de dibujo, aunque sea pequeño, y un lápiz o bolígrafo en el bolso o bolsillo es una buena costumbre. Sentados en un parque o cafetería o en cualquier calle nos acostumbramos a observar y plasmar lo que pasa a nuestro alrededor. Esa planta, árbol, ese niño que juega, gente caminando, alguien que espera, esa maleta o mochila, etc. Breves insinuaciones serán suficientes… Y poco a poco serán más completas.

Un bolígrafo, portaminas y rotuladores son ideales para no tener que sacar punta cuando el sitio no es cómodo para ello.

Esas páginas  irán construyendo nuestro cuaderno de viaje. Cuantos más cuadernos hagamos, más ágiles estarán  nuestros ojos, mente y manos para captar la esencia de lo que queremos expresar. Esto para mí es disfrutar del camino. Nuestras metas están en esa piedra, esos ojos, esas manos, esa tela, esas huellas, colores, sensaciones…  Todo podemos plasmarlo si miramos con los ojos del corazón. Notaremos que ese trazo no es frío ni estático, sino que tiene vida, alma y movimiento. Es recomendable poner fecha y hora de realización y pequeñas anotaciones del ambiente, aromas, luz, sensaciones, etc. Así lo podremos revivir cuando se repasemos los apuntes.

Aún recuerdo la primera vez que cogí un bolígrafo. Un Bic azul. Tenía seis años y acostumbrada a un lápiz áspero y a una plumilla despuntada con el tintero en el pupitre, tinta azul de poca intensidad, con escritura no uniforme y desteñida, la sensación de cómo ese bolígrafo que tenía en mis manos se deslizaba por el papel fue para mí un mágico descubrimiento. Tinta constante, suave, trazos uniformes… Y expresé “¡qué finito!”

Desde entonces, no he dejado de buscar nuevas sensaciones y probar distintos materiales para crear.

Recordatorio:

…se aprende haciendo…

Un afectuoso saludo

Manuela Masago

Cómo coger el lápiz para dibujar I

Este es el inicio de una serie de vídeos que voy a ir realizando a lo largo de este año.

El objetivo de estos tutoriales es compartir conocimiento y experiencia sobre las diferentes técnicas y materiales. Cada técnica requiere un soporte y un tratamiento adecuado para que nuestro trabajo muestre el resultado deseado.

En este primer vídeo, muestro algunos ejemplos de cómo coger el lápiz.

Espero que os guste.

Manuela Masago

Exposición de Pintura en Seda en Espacio CEL Las Rozas

Estimad@ Amante del Arte,

Me es grato anunciar mi nueva exposición titulada Materia Prima, que voy a realizar en Las Rozas. En esta ocasión, he elegido la pintura en seda, el arte que se lleva, una sutil manera de conectar con una técnica milenaria que permite adentrarnos en un universo de serenidad, disfrute y camino artístico para la meditación. Deslizar el pincel, descubrir los caprichos del agua pigmentada, utilizar diferentes materiales para diseñar formas y dibujos, desarrollar nuevas vías de experimentación son algunas de las virtudes que tiene esta técnica de tacto suave y bellos colores.

Exposición Manuela Masago en Espacio CEL

La sala está ubicada en Espacio CEL, Calle Covadonga, 2 – 3º1 Las Rozas (Madrid), junto al Auditorio Municipal Joaquín Rodrigo. Adjunto mapa para llegar en transporte público (autobuses desde Moncloa y cercanías desde Príncipe Pío y Chamartín con parada en Las Rozas) y el enlace para llegar en coche http://goo.gl/maps/vGbbA.

La exposición se podrá visitar desde el 1 de junio y hasta el martes 18 del mismo mes. El sábado 1, la sala estará abierta de 18.00 a 21.00. Y a partir del domingo 2, el horario de visitas será el indicado a continuación:

Lunes, martes y viernes: 10:00-14:00 | 17:00-21:00

Sábado: 10:00-14:00

Miércoles, jueves y domingo: cita previa

Para más información y cita previa:

Tel. 628 856 769 | 687 880 942

Email: info@manuelamasago.es | espaciocel@gmail.com 

Un afectuoso saludo 

Manuela Masago

Homenaje a la Vida: palabras de inauguración

Ya ha pasado un año desde la maravillosa exposición que realicé en El Escorial (ver vídeo). Y digo maravillosa por la gran acogida que tuvo, por todos los que me acompañasteis en este disfrute, por aquellos que la observaron, por los que preguntaron, por los que callaron y se emocionaron, por los que me ayudaron a construirla. Sentí la exposición como un aprendizaje y todavía hoy sigo revisando anotaciones, dibujos, escritos, proyectos que se dieron vida ese verano. 

Hoy rescato las palabras que el día de la inauguración tan generosamente pronunció Fernando Mayordomo, ensayista, filósofo y profesor.

   

"En este Homenaje a la Vida, Manuela Masago abre su alma a través de la obra que aquí comparte con nosotros. Y si compartir es comenzar juntos un camino, a nosotros nos toca completar la infinidad de mensajes que contiene esta exposición, introduciendo su arte en nuestro vivir cotidiano. Porque no es arte de inerte museo el suyo, sino que anhela la vida, la que cada uno está llamado a vivir.

El arte no se sitúa dentro de un marco que lo delimite del mundo, sino que se entrelaza con la realidad para darle sentido y dirección. La obra parte de la realidad pero para volver a ella haciéndola más plena, enriqueciendo así la vida con nuevos reflejos y posibilidades. Y es de esto de lo que trata este homenaje con que nos obsequia Manuela Masago, de vida, de creación y evolución constante, de la misma obra y de nosotros mismos en cuanto nos reflejamos en el arte que se desprende de sus manos, y que nos devuelve una nueva imagen que nos invita a reinventar nuestro ser.

El arte abre espacios que no existían, nos descubre nuevas vías, para que entren en la realidad y podamos circular por ellas. Es éste un primer paso, que nos muestra un camino por el que poder transitar. Pero este es un recorrido especial y único que cada uno debe realizar. Por ello, el sinfín de detalles que contiene esta obra, nos invitan a traspasar lo aparente para dirigirnos a la esencia de lo representado, y por tanto, a nuestra propia esencia, al origen, a las causas, a los cuatro elementos que componen el mundo, y que se muestran a través del trazo suave y sutil de una época tan frágil como es la juventud.

¿Por qué está retratada en esta exposición la juventud? El motivo es sencillo, el joven se encuentra a medio hacer, en una realización constante sin puerto de desembarco. Es plena navegación en un camino que se hace y cobra existencia sólo al ser transitado. Y ésta es la esencia de la vida, pura apertura, constante ir hacia uno mismo, sin máscaras ni afeites que desvirtúen lo fundamental de cada uno.

La juventud es la fase en la que aún las máscaras no se han anquilosado al rostro, por ello hay que volver de vez en cuando, para reencontrarse con lo más esencial nuestro. La juventud es inmadura e imperfecta, y es de esta imperfección de la que se nutre Manuela, porque ahondando en las disonancias y diferencias es donde encuentra el difícil equilibrio que es la vida. Miles de detalles disonantes que en el conjunto de la obra adquieren armonía. Los elementos opuestos acaban encontrando lazos de amistad, que cuidan entre sedas la fragilidad humana que la sociedad pone en cuestión y que el arte intenta salvaguardar.

Su propio desarrollo es esta constante búsqueda de sí misma, siempre en desarrollo, sin fosilizarse en un estilo. Sus trazos, como las huellas de cada paso, son cambiantes, y en cada esquina de su vida nos encontramos con una artista nueva, que se reinventa en cada obra. ¿Qué es lo que hace que podamos decir que esta o aquella obra pertenece a Manuela Masago? La propia originalidad de la vida que se muestra en su arte, ya que no solo representa, sino que busca ser vida misma, poniéndose en diálogo con el espectador y devolviéndole otra imagen que le obliga a reinventarse. El retrato no es la congelación de un instante sino la materialización de muchos momentos en un proyecto que comienza. La obra no es el fin de una vida, es su comienzo.

Lo que aquí nos presenta Manuela Masago es una llamada, un toque de atención para que no nos olvidemos de que la vida hay que vivirla, y que para ello debemos abrir nuestra sensibilidad y no ser rudos con la frágil esencia, para que surja la belleza de la verdad que cada uno contiene en sus entrañas.

Círculos, espirales, líneas transparentes que señalan mundos posibles, aún no imaginados, que una joven cobija en su regazo, para envolver con la suavidad de la seda la fragilidad de la vida que comienza. La mirada penetrante que se esconde, tímida e inocente de su profundidad. Retratos de la mente que se nos muestran a través de tan distintos gestos. Miradas perdidas, pícaras, trágicas, alegres, penetrantes, sugerentes, anhelantes, tímidas, pero siempre profundas y vitales.

Con esta obra Manuela quiere compartir con nosotros la alegría que la vida le ha otorgado, una sonrisa a la vida y todo lo que ésta nos enseña. Y como la vida es siempre algo abierto, el arte de Manuela nos hace un guiño, para que juntos comencemos la travesía hacia lo que nos queda por ver, por hacer, por vivir. Un homenaje a la vida es una invitación a vivir, y a esto es a lo que nos invita Manuela, a que cada uno viva plenamente su vida, abonando así los campos de alegría para que el interior mágico de cada uno emerja y podamos construir un mundo desde la libertad y la alegre originalidad que todos poseemos"

Gracias, Fernando, por estas bellas palabras.

Acuarela: preparación del papel

Retomamos el mundo del papel experimentando su montaje sobre bastidor y tablero.

¿Para qué queremos utilizar un soporte?

Habitualmente, si el papel tiene un gramaje inferior a 300 gramos, comienza a ondularse en contacto con el agua. Es por eso que usamos un soporte, preferiblemente de madera, para colocar, tensar el papel y deslizar libremente el pincel con los pigmentos.

Si el papel tiene más de 300 gramos, veréis que no es necesario montarlo sobre bastidor o tablero.

Otra opción es utilizar un bloc encolado por los cuatro lados. En este tipo de bloc, pintamos directamente sobre el papel y una vez seca la hoja, se separa del resto introduciendo una espátula plana en la pequeña abertura de uno de los lados.

¿Qué necesitamos?

• Cubeta y agua
• Pincel esponja o paletina
• Cola de madera o cinta adhesiva engomada. Es preferible no usar cinta carrocera, ya que cuando se moja, se despega y el papel pierde la tensión adecuada (como un tambor)
• Espátula plana
• Bastidor o tabla de madera
• Papel de acuarela

Materiales

Pasos para su montaje sobre bastidor

1. Cogemos una hoja de papel de acuarela
2. Llenamos una cubeta de agua e introducimos completamente el papel de 5 a 10 minutos en función del gramaje. Si no tenemos cubeta, podemos humedecer el papel con un pincel esponja o paletina (por ambas caras).
3. Mientras se humedece, preparamos el bastidor. El bastidor no tiene que ser muy ancho, con 3-4 cm es suficiente. Aplicamos en los bordes la cola de madera (también podemos usar la cinta adhesiva una vez hayamos puesto el papel). Extendemos la cola de madera con una espátula plana.
4. Sacamos el papel y dejamos que escurra hasta que no caigan gotas.
5. Pegamos los bordes del papel y dejamos secar. El resultado será parecido a la piel de un tambor.

Es muy agradable pintar sobre papel montado en bastidor ya que no se ondula. Al estar en hueco podemos humedecerlo por detrás, con el fin de mantener la humedad que hace que el pigmento fluya mejor y no se sequé rápidamente. ¡Recomendado para dar los fondos!

Papel sobre bastidor

Al finalizar nuestra acuarela, podemos cortar el papel con un cutter o bien enmarcar nuestra obra  con el propio bastidor.

Pasos para su montaje sobre tabla

1. Cogemos una hoja de papel de acuarela
2. Humedecemos previamente el papel por las dos caras. Podemos utilizar el pincel esponja o la cubeta.
3. Después, haremos lo mismo con la cinta adhesiva, pero sólo por su lado engomado.
4. Se pega la cinta a los bordes del papel y a la tabla. La cinta sobrante se dobla y se pega por debajo de la tabla.

Papel sobre tablero

Os dejo también el paso a paso en imágenes. Espero que os sea de utilidad y que me vayáis contando vuestras experiencias.

Acuarela: papeles

Una de mis debilidades como profesional de la pintura es el papel y todas las técnicas que sobre él puedo aplicar. En el año 1998, realicé una exposición muy especial en el Club de Golf de La Moraleja, exposición dedicada a este bello soporte. 

En el mercado existe una gran variedad de papeles y marcas que se pueden elegir en función de la técnica y los materiales que queramos utilizar.

Para la acuarela, yo recomiendo dos marcas: Arches y Fabriano. De color blanco natural, con grano fino o grueso, libres de ácido y 100% algodón, se venden en pliegos, rollos y formato bloc. Tienen un gramaje desde 180 hasta 600 gramos.

El color blanco natural nos permite utilizar toda la gama de colores y sacar las luces aprovechando el propio papel.

El grano fino o grueso depende de tus gustos y preferencias. Si te gusta que se vea la textura del papel, elige de grano grueso. Si lo que prefieres es que la acuarela quede muy lisa, selecciona entonces un grano fino. Por supuesto, también influye la cantidad de agua y pigmento que utilices.

Cuando un papel está libre de ácido, con el paso del tiempo se mantiene el color original. Los papeles libres de ácido no se deterioran ni amarillean ni aparecen manchas.

Un papel de algodón 100% es mejor que uno de celulosa, ya que en este último se crean pequeñas bolitas si insistimos mucho con el pincel. Las rectificaciones se pueden realizar si el papel es bueno.

Cuanto más gramaje, menos se deforma el papel, si bien es cierto que el precio se incrementa de forma considerable. 

Hay papeles más económicos como el Guarro. Este papel es muy blanco, de celulosa y un porcentaje pequeño de algodón. Estos papeles no permiten muchas rectificaciones, ya que salen bolitas si insistes un poco. Se pueden usar para algunos bocetos.

Seguiremos hablando de papeles que a mí particularmente me gustan para cada técnica (por ejemplo, dibujo a lápiz, tintas, bolígrafos, rotuladores, etc). Y más adelante hablaremos de cómo montarlos.

Ya sabéis que lo mejor es experimentar. La equivocación es aprendizaje. El miedo y la perfecta exigencia son las cadenas de la creatividad.

Papeles - Manuela Masago

Retrato y retratista

El retrato es el medio que nos permite reflejar las cualidades físicas y psicológicas de una persona. A través de diferentes técnicas, podemos plasmar su vida, aficiones, energía, motivaciones, emociones, incluso sus estados de ánimo.

La observación y la conversación son habilidades básicas para profundizar en el mundo del retratado/a. Es importante conocer a la persona. Un momento distendido se puede dar con una taza de café. Conocer sus gustos, ilusiones, retos y anécdotas, puede darnos su imagen global. En esta conversación podemos percatarnos de sus expresiones faciales características, fisionomía y gestos relevantes que luego aparecerán en la obra.

A veces, no es posible conocer al retratado/a, bien porque sea una sorpresa, bien porque haya fallecido. La información en estos casos se puede recabar por sus familiares y amigos.

En ambas situaciones,  es importante disponer de diferentes fotografías de la persona y si fuera posible algún documento audiovisual. Las típicas fiestas de cumpleaños o familiares son documentos que dan mucha información sobre las expresiones de las personas.     

El tamaño y la técnica vienen determinadas por los gustos del cliente. Las técnicas utilizadas son muy variadas: acuarela, óleo, pastel, lápiz, acrílico, grabado, mixta… Respecto al tamaño, podemos realizar desde planos enteros (o plano figura) hasta planos de detalles (utilizados para enfatizar)

Además de los gustos del cliente, el profesional debe orientar a la persona sobre la técnica, soporte, tamaño y marco que más se ajusta a lo que solicita, al espacio en que se va a ubicar, los gustos de la persona retratada, etc. Pueden ser de utilidad preguntas del tipo ¿qué te gustaría resaltar? ¿Qué es lo que más te gusta de esa persona a la que vas a regalar un retrato? ¿Quieres un retrato situacional? ¿Un retrato de familia?...

Como retratista profesional, disfruto cuando me dan libertad para elegir la técnica, el tamaño y la composición. Tras realizar el estudio, conecto con el personaje. Me gusta crear un espacio dentro del retrato, un espacio de continuidad, de luz, serenidad, equilibrio y relajación. Disfruto dando vida a sus ojos. Estudiar sus gestos, su mirada, qué te dicen y, al final, haber conseguido plasmar el espíritu de esa persona.

Pincha aquí para ver ejemplos sobre retratos

Homenaje a la Vida en El Escorial

La inauguración de mi próxima exposición Homenaje a la Vida ya está cerca.

Este nuevo acercamiento a la figura humana se desarrollará en un entorno privilegiado de la sierra madrileña y de fácil acceso en coche, tren (Línea C8: Atocha-Chamartín-Villalba-El Escorial) y autobús.

Incluyo los datos de localización y un afectuoso hasta pronto.

• Lugar: Centro de Exposiciones Castilla (Avda. de Castilla, 4)
  
• Localidad: Villa de El Escorial. 
• Fecha: del 9 de julio al 2 de agosto de 2011
• Horario: todos los días de 10:30-14:00 y 18:00-21:00.
• Día de la inauguración: 9 de julio a partir de las 20:30
• Entrada libre

Exposición en El Escorial

Uno de mis objetivos para este año es devolver una sonrisa a la vida y a todo lo que esta me enseña. Para mí la vida es la frescura, es la ilusión, es la pasión por cada experiencia sentida.

A veces, cuando las cosas suceden, no le damos importancia. Y llega un momento en nuestro caminar, en el que hacemos una revisión sobre nuestros archivos acumulados y la huella que nos han dejado. Nos paramos. Echamos la mirada emocional hacia atrás. ¿Qué vemos? ¿Qué queremos ver? ¿Qué nos falta para ver lo que no vemos?

En mi parada he visto que soy fruto de un gota a gota que ha llenado mi vida: la curiosidad y la búsqueda constante de nuevos retos. Además, me mueve compartir esos descubrimientos que me hacen vibrar, que me hacen sonreír.

Esto es lo que quiero expresar en mi próxima exposición. Quiero hacer un Homenaje a la Vida. 

 

Me gusta sentir que vivo. Siento la vida.

Gracias

Y ya en los inicios...

Nacida en Manzanilla, un pueblecito de Huelva, desde niña me sentía cómoda moviéndome en la estética del trazo. Mi hermano fue uno de mis impulsores a la hora de sentir admiración por la figura y la geometría. Con él aprendí también la sutileza y la esencia de los detalles.
Comencé mis estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Sevilla y los finalicé en Madrid, con las especialidades de diseño y escultura. Ese traslado de domicilio me abrió las puertas a una ciudad culturalmente en movimiento, repleta de galerías y de oportunidades.
Aquí en Madrid, en la ciudad que me ha visto crecer personal y profesionalmente, tuve la posibilidad de estudiar la figura humana con Alcover, las técnicas de la acuarela con Rafael Requena y grabado con J. Palacios.

Gracias Eustaquio, gracias Madrid.